Nyfa labeled as Top Gun of film schools!!!

The LA Examiner labeled New York Film Academy as the “TOP GUN OF MODERN FILM SCHOOLS” in its article praising the academy and founder Jerry Sherlock for his no-frills, hands-on approach to teaching filmmaking.

 

Photo by current NYFA student Chris Chunk. Article written by Rob Irwin, Burbank Entertainment Industry Examiner, LA Examiner

It would be no misrepresentation to say clearly that the New York Film Academy is the future for modern film making. Sure there are those venerable institutions such as NYU, USC and UCLA. All fine schools, of course, and in between classes in required academic areas like, oh I don’t know, The Love Life of the North American Fruit Fly perhaps one can get a decent education in film making over time. It is true that these fine schools have in the past and still do turn out some very successful writers, actors and directors. But in 1992 Producer Jerry Sherlock (Hunt for Red October) became frustrated with what he saw as a serious lack of good “hands on” real world film making information and education. Never the kind of man to sit still with an idea Jerry Sherlock created a workshop for film makers. It was the beginning of what has grown today into the New York Film Academy.

It all started at Robert De Niro’s Tribeca Film Center. It was an intensive four week workshop that taught each student how to engage in visual story telling or film making. The word spread and soon the demand exceeded the available resources and growth was inevitable. And while the subject of Fruit Flies never got involved there really is much more to professional acting, writing and directing than could be reasonably presented in a four week work shop. The program rapidly grew into an intense immersion into the world of film making that led to the granting of a Bachelor of Fine Arts degree in just three years. That alone is brilliant in my opinion for giving every degree seeking student one extra year of real life.

As this growth was taking place Solomon Brother’s currency trader extraordinaire Jean Sherlock was wrapping up a three year stint in the very exciting city of Hong Kong. He went back to his hometown of New York City and his father, Jerry Sherlock, brought him aboard the now degree granting and still rapidly growing New York Film Academy. Soon that brought Jean to Los Angeles and the back lot of Universal Studios where the west coast branch of the New York Film Academy lives today. New York Film Academy now has three full time campuses in; New York City, Los Angeles (Universal City) and Abu Dhabi UAE. But it was on the Universal City campus where I meet the very gracious Jean Sherlock.

I honestly had no preconceptions about New York Film Academy, nothing good or bad. It really was a blank slate when I first sat down with Jean Sherlock to discover exactly where his school, the New York Film Academy fit in amongst the well known giants. The picture that unfolded was rich and exciting.

The New York Film Academy offers its students a true immersion in real world hands on experience. For example at the New York Film Academy each student writes, shoots, directs and edits 8 projects and works on crew of 28 more in the first year. That is intense. But it is possible in part because NY Film Academy keeps class size down to about 16 students per section, even less for the acting classes. This allows a strong interplay between teacher and student. Oh and those teachers all come from strong academic and industry backgrounds. From day one the students work with real proven industry professionals and that quality is enhanced with regular guest speakers such as actor Philip Seymour Hoffman (Capote), Producer/Director Doug Liman (Bourne Identity) and actress Glenn Close (Fatal Attraction). So impressive are their programs that many of the Hollywood elite have sent their children to NYFA. Psst! A Spielberg child has been seen on campus. Yes, that level.

Film schools need equipment and that they have in abundance as well and it is all high level genuinely professional gear made for making movies. It is even possible for students to get access to top of the line Panavision gear and that just doesn’t happen in Gallop, NM. Which brings up the matter of location.

With our official interview in the can Jean Sherlock turned me over to his trusted assistant Tom Slivinski for a tour of the rest of the campus. For that we used a vehicle because the campus is the Universal Studios back lot. All of it. Yes, THAT back lot, the one millions of tourists pay big money to ride around in a tram. This is all included in the NYFA package and it is clearly inspiring. There is just no better location for a top end film making school. Students at NYFA start at the pinnacle.

Today the New York Film Academy has grown into a giant provider of high quality education in all major aspects of film making. They offer both Bachelors and Masters in Fine Arts degrees, both accredited by the National Association of Schools of Art and Design. They also offer a wide variety of summer programs directed at tweens, teens and adults. You should at least visit their website at www.nyfa.com and explore their many exciting offerings. The only thing NYFA doesn’t offer is a football team, but I am sure if you want they can make a movie about football. In the mean time if you or your child or a friend is passionate about a career in film making he or she would be well advised to read the information on the website and then arrange for a visit to the campus. The excitement and energy is palpable and real and it moves you. From its humble beginnings the New York Film Academy has truly emerged as the TOPGUN of modern film schools.

Wow! It's amazing! | Nossa, caiu a ficha!

It's amazing! I finally sat down and did the math. Since I got here four months ago -- to study filmmaking at New York Film Academy -- I worked on 45 student projects (26 of them in 16mm black & white) at the following positions: writer/producer/director/editor (12), director of photography (7), 1st Assistant Camera (10), 2nd Assistant Camera/Gaffer (11), Sound (3), Assistant Director (1), Production Assistant (1).

That's what I call recovering the lost time of my life. Yay!

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É incrível! Eu finalmente sentei e fiz as contas. Desde que eu cheguei aqui há quatro meses - pra estudar cinema na New York Film Academy - eu trabalhei em 45 projetos (26 deles em 16mm preto e branco) nas seguintes funções: roteirista/produtora/diretora/editora (12) , diretora de fotografia (7), 1ª Assistente de Câmera (10), 2ª Assistente de Câmera/Iluminação (11), Som (3), Assistente de Direção (1), Assistente de Produção (1).

Isso é o que eu chamo de recuperar o tempo perdido na minha vida. U-hu!

Fresh start: meeting Aristotle again | Tudo de novo outra vez: procurando Aristóteles

(leia versão em português abaixo)

I received the green light to join the 1-year program on a Friday morning and by the afternoon I was in class. The next day, shootings with a new crew.

The interesting of all this is that the 1-year course and the 8-week course are exactly the same on the first two months. In fact, this period is my 8-weeks course. So, in theory, I'm doing something that I already did and learning things that I'm supposed to know by now.

But, from my perspective, it's a unique chance to revise all that I've learned and discover things that I didn't -- because we cannot absorve everything at once, right?

So I didn't wanted to waste the opportunity of practicing filmmaking. Since I didn't have a location, nor actors or story yet, I decided to reshoot my first project, because I wasn't really happy with it. (check my first project HERE.) I had this certainty that I could've done better.

I remember my teacher saying by that time that I had a good idea but I didn't know how to block the scene, meaning staging the action with the actors and showing it for the camera.

This time, instead of using an improvised dolly, I used a tripod and did a PAN. I tried to think outside of the box: instead of moving too much the camera, I'd move the actors. I also applied the principle K.I.S.S. (keep it simple, stupid), cause at the first time I used medical scrubs for the characters and confused more than helped the story.

Results: the new short looks good. Period. Something's still missing. I couldn't tell what. When we screened at class, my new lovely teacher answered it: no conflict. The problem was on the story! And that's what happen with the majority of the films that are made in the world, doesn't it?

I was amazed with his lecture on Aristotle's pathos. I've read about it, of course. But I've never seen someone explain all that concept in such simple and easy words. "Pathos is the hability to evoke emotions (compassion, tenderness or even pain) in oneself or others". This should be the goal of every art, shouldn't it?

And on filmmaking, how do we achieve that? His short answer was following five steps:

1. Express the need of your character. The audience should understand what the characters need, what they seek for.
2. Present the conflict. Something (a person, a situation) prevents the character from getting what he/she wants.
3. There's a moral dillema that comes from the conflict. The character has to choose paths: the easy way or the hard way, for example. Like Neo has to choose between the red pill and the blue pill in "Matrix".
4. The MacGuffin. It's a concept developed by Hitchcock. A writer's device that portrays what protagonist and antagonist both want and die for it. Can be an object or even an emotion protrayed by an object. Like the mysterious briefcase on "Pulp Fiction".
5. Theme, wich is subtext. The truth about the characters, their little dirty secrets, that the audience discovers during the story -- not by words but through actions.

If you don't have one of these elements probably your story is not a great story. Of there are lots of other things to add, like a change on the character from the beggining to the end, for example. Have in mind that I'm summarizing tons of knowledge. You should research and study that. I'm going to, for sure.

PS: Use these tools as a guide to check if your story is on track, not as moorings at the time of creation, advises my teacher.

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Recebi o sinal verde pra participar do programa de 1 ano numa manhã de sexta-feira e, à tarde, eu já estava na sala de aula. No dia seguinte, filmagens com uma nova equipe.

O interessante de tudo isso é que o curso é exatamente o mesmo nos dois primeiros meses. Na verdade, este período inicial é o curso que fiz de 8 semanas. Assim, em teoria, eu estou fazendo algo que eu já fiz e revendo coisas que eu já deveria saber agora.

Chato? Na minha opinião, é uma oportunidade única de rever tudo o que eu aprendi e descobrir coisas que eu não aprendi - porque não podemos absorver tudo de uma só vez, certo?

Então eu não quis desperdiçar a oportunidade de praticar. Como eu não tinha uma locação, nem atores ou história, decidi refazer o meu primeiro projeto, porque eu não muito satisfeita com ele. (Veja o meu primeiro projeto AQUI.) Eu tinha certeza de que eu poderia ter feito melhor.

anda lembro do meu querido professor dizendo que eu tinha uma boa idéia, mas não soube como blocar a cena, ou seja, encenar com os atores e mostrar pra câmera.

Desta vez, ao invés de usar um dolly improvisado, usei um tripé e fiz uma PAN. Eu tentei fazer diferente: em vez de mover muito a câmera, eu moveria os atores em cena. É aquela história do português trocando a lâmpada, entende? Também apliquei o princípio K.I.S.S. (mantenha simples, estúpido) porque, na primeira vez que usei médico esfrega para os personagens e confuso mais ajudou a história.

Resultado: boa aparência. Ponto. Mas algo ainda está faltando e eu não conseguia dizer o quê. Quando nós analisamos na aula, meu novo professor respondeu: não há conflito. O problema era a história! Isso acontece na maioria dos filmes que são feitos no mundo, não é?

Fiquei abobada com a aula dele sobre o pathos de Aristóteles. Eu li sobre isso, é claro. Mas eu nunca vi alguém explicar todo o conceito em palavras tão simples e fáceis. "Pathos é a habilidade de evocar emoções (dor, ternura, compaixão) em si próprio ou nos outros". Esse deve ser o objetivo de toda arte, não é verdade?


E no cinema, como é que se consegue isso? A resposta dele foi curta - seguindo cinco etapas:

1. Demonstre as necessidades de seu personagem. O público deve entender que os personagens precisam, o que eles procuram.
2. Apresente o conflito. Algo (uma pessoa, uma situação) impede o personagem de conseguir o que ele quer.
3. Há um dilema moral, que vem do conflito. O personagem tem que escolher caminhos: o caminho mais fácil ou do modo mais difícil, por exemplo. Como Neo tem que escolher entre a pílula vermelha e a pílula azul em "Matrix".
4. MacGuffin. É um conceito desenvolvido por Hitchcock. Um dispositivo do escritor que retrata o que protagonista e o antagonista desejam tanto que até morreriam por isso. Pode ser um objeto ou mesmo uma emoção retratada por um objeto. Como a misteriosa pasta em "Pulp Fiction".
5. Tema, que é subtexto. A verdade sobre os personagens, seus pequenos segredos sujos, que o público descobre durante a história - não por palavras, mas através de ações.

Se você não tiver um desses elementos, provavelmente a sua história não é uma grande história. Claro que há outras coisas a acrescentar, como uma mudança no personagem do começo para o fim, por exemplo. Tenha em mente que eu estou resumindo toneladas de conhecimento. Você deve pesquisar e estudar isso. Eu vou, com certeza.

PS: Use essas ferramentas como guia para checar se sua história está no caminho certo, não como amarras na hora da criação, aconselha meu professor.

Great news! | Extra! Extra!

(leia versão em português abaixo)

Los Angeles will not get rid of me so soon. Rather than pack up and go back to Brazil after a two months course, I just started the 1-year program!

I want to settle on what I've been learning, improve further and finally develop a personal style. So much work (and pleasure) ahead.

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Los Angeles não vai se livrar de mim tão cedo. Ao invés de arrumar as malas e voltar pra SP após o curso de 2 meses, acabo de começar o de 1 ano.

Quero sedimentar o que venho aprendendo, melhorar ainda mais e, finalmente, desenvolver um estilo pessoal. Então, tenho muito trabalho (prazeroso) pela frente.

How to make a short film in 7 days | Como fazer um curta em 7 dias

(leia versão em português abaixo)

Me, Myke D (gaffer and camera owner) and AK (director of photography)

Sorry it took so long to write again here. It's been a marathon these days. And I was wondering about all the things that happened since I started this journey. I'm a new person. Yes, it's a strong statement. But it's true. I'll never be the same after Nyfa.

I'm very happy with my final project. It's the summary of everything I've been learning matched with my previous knowledge. Wasn't easy. Now I see films differently and I create films differently. It's amazing how much I could change (and evolve) in only two months. It seems like a decade.

I must say that if my film becomes successfull it's my teachers' fault. I've done exactly what they told me to. Yeah, they tell us exactly how you can make things work. But most of the students are so lost in crazyness about the infinite tasks of producing a film that they just ignore the fundamental rules.

I don't feel that I'm an expert now to tell you all about films. But I can repeat things they told me that are now engraved in my head.

• A GREAT FILM STARTS WITH A GREAT IDEA: I didn't think my idea was great, but my colleagues told me it was good. I trusted them and plunged headlong into make it better.
• REWRITE THE SCRIPT A THOUSAND TIMES IF NECESSARY: I started with a treatment that I've written 6 months earlier. My teacher told me that my first script had no story. And it was supposed to happen on an elevator. Couldn't produce that. Then, adapted to a conference room. My second script worked, according to another teacher. Wasn't enough, I rewrote it 3 times more on the 4 days later before the shoot.
• PLAN AS MUCH AS POSSIBLE. A GREAT FILM IS MADE ON PRE-PRODUCTION. When I found the location I wanted, 4 days before the shootings, I revised the script thinking on how I could explore better the place. I did a shot list 2 days before the shootings and revised it twice. PS: Leave room for colaboration, specially DP's.
• DON'T FORCE ACTORS TO ACT LIKE YOU WOULD (my advice). I found time to rehearse with my actors. It was more like a chat about all the characters, what they think, what they feel., why they say things the way they say. Nothing about blocking or delivering lines. Never works if you force them to be you. Leave room to colaboration. If an actor doesn't achieve what you expect, explain the character's way of reacting to things. Never tell them to repeat the line the way you want. It's gonna look fake because they're not feeling it. Oh, and please, be very very picky about selecting actors. Choose ACTORS, not only pretty faces.
• COVERAGE IS EVERYTHING: If you only have 2 days to shoot, don't think of a feature film. Think of everything the audience should know (in images) to understand the story. Get all the coverage! Even if you don't plan to use it. Wide shots, mediums, close-ups, inserts. You must have a shot list or you'll forget something. Trust me. Your crew doesn't want to wait for you to decide wich scene you wanna shoot at that moment.
• EDITING IS MAKING A NEW FILM. Ok, you've shot everything you wanted, you have all the story. But you have to be humble enough to understand (and cut off) something that doesn't work for the story.
• GOT A PROBLEM? THINK OUTSIDE OF THE BOX. I've had a huge sound problem with my first sequence. I've had 10 takes and only one with sound. And it wasn't the master shot. I improvised. Created a new way of setting the scene in the editing, using only big close-ups and inserts. Some friends told me it's the best part of the film. I laugh. If only they knew...
• That remembers me of one of the most important things: EVEN IF YOU DON'T HAVE A CLUE OF WHAT YOU'RE DOING, DON´T LET YOUR CREW NOTICE (my advice). You're in charge always. They have to trust you and let be lead by you. Don't forget to listen to people, maybe good ideas show up, think fast, decide fast, never loose you director's character.
• And the last one: DON'T TRUST BLINDLY PEOPLE THAT ARE IN THE SAME POSITION AS YOU (my advice). I'll talk more about that later.

My actors/characters: Nicaolas Smith, Robert Balder and Ilka Urbach

Desculpa ter demorado tanto tempo pra escrever novamente aqui. Foi uma maratona! Eu tava pensando sobre todas as coisas que aconteceram desde que comecei esta jornada. Sou uma nova pessoa. É verdade. Nunca serei a mesma depois da Nyfa.

Estou muito feliz com meu projeto final. É o resumo de tudo o que aprendi combinado com meu conhecimento prévio. Não foi fácil. Agora eu vejo filmes de maneira diferente e crio filmes de forma diferente. É incrível o quanto eu mudei (e evoluí) em apenas dois meses. Parece que foi uma década.

Devo dizer que, se o meu filme tiver sucesso, é culpa dos meus professores. Fiz exatamente o que eles me disseram. Sim, eles nos dizem exatamente como você pode fazer as coisas funcionarem. Mas a maioria dos alunos tá tão perdida na loucura infinita das tarefas de produzir um filme que simplesmente ignora as regras fundamentais.

Não é que eu seja uma especialista agora, mas posso repetir as coisas que me disseram e que tão gravadas na minha cabeça.

• UM BOM FILME COMEÇA COM UMA BOA IDÉIA: Não acho que minha idéia era lá essas coisas, mas meus colegas me disseram que era legal. Eu confiei neles e mergulhei de cabeça pra torná-la melhor.
• REESCREVA O ROTEIRO MIL VEZES SE NECESSÁRIO: Comecei com um tratamento que tinho escrito seis meses antes. Meu professor me disse que meu primeiro script não tinha história. E se passava em um elevador. Então, adaptei pra uma sala de reunião. Meu segundo script funcionava, de acordo com outro professor. Não foi suficiente, reescrevi mais 3 vezes 4 dias antes das filmagens.
• PLANEJE TANTO QUANTO POSSÍVEL. UJM BOM FILME É FEITO NA PRÉ-PRODUÇÃO: Quando eu encontrei o local que eu queria, quatro dias antes das filmagens, revisei o roteiro pensando em como eu poderia explorar melhor o local. Fiz uma lista de takes dois dias antes da filmagem, e revisei duas vezes. PS: Deixe espaço pra colaboração, especialmente do diretor de fotografia.
• NÃO FORCE OS ATORES A ATUAREM COMO VOCÊ ATUARIA (minha opinião). Encontrei tempo pra ensaiar com meus atores. Foi mais um bate-papo sobre todos os personagens, o que eles pensam, o que sentem., porque eles dizem coisas do jeito que eles dizem. Nada sobre marcação de cena ou entonação das falas. Não funciona se você forçá-los a ser você. Deixe espaço pra colaboração. Se um ator não chegar no que você espera, explique o modo como o personagem reage às coisas. Nunca diga a eles pra repetir a fala do jeito que você quer. Vai ficar canastra porque ele não tá sentindo isso. Ah, e por favor, seja muito, muito exigente na escolha de atores. Escolha atores, não só rostos bonitos.
• COBERTURA É TUDO: Se você só tem dois dias para filmar, não faça um longa. Pense em tudo o que o público deve saber (em imagens) pra entender a história. Garanta toda a cobertura em imagens! Mesmo que não planeje usá-las. Planos abertos, médios, close-ups, detalhes. Você deve ter uma lista de takes por escrito ou vai esquecer algo. Confie em mim. Sua equipe não vai querer esperar você decidir qual cena você quer filmar no momento. Tem que tar tudo na ponta da língua.
• EDITAR É FAZER UM NOVO FILME. Ok, você filmou tudo o que você queria, tem toda a história. Mas você tem que ser humilde o suficiente pra entender (e cortar) algo que não funciona.
• PINTOU UM LIMÃO? FAÇA UMA LIMONADA (minha opinião). Eu tive um problema sério de som com a minha primeira seqüência. Eu tinha 10 takes e apenas 1 com som. E não foi o do plano master. Tive que improvisar. Criei uma nova cena na edição, usando apenas close-ups e planos-detalhe. Alguns amigos me disseram que é a melhor parte do filme. Eu ri até. Ah, se eles soubessem...
• Isso me faz lembrar de uma das coisas mais importantes: MESMO QUE VOCÊ NÃO TENHA A MENOR IDÉIA DO QUE ESTÁ FAZENDO, NÃO DEIXE A SUA EQUIPE PERCEBER (minha opinião). Você está no comando sempre. Eles têm que confiar em você e deixar se levar por você. Não se esqueça de ouvir as pessoas, talvez boas idéias apareçam, pense rápido, decida rápido, nunca saia do personagem diretor.
• E a última coisa: NÃO CONFIE CEGAMENTE EM PESSOAS QUE ESTÃO NA MESMA POSIÇÃO QUE VOCÊ (minha opinião). Falarei melhor sobre isso mais tarde.

Fifth project: what's missing? | Quinto projeto: o que é que tá faltando?

(leia versão em português abaixo)

This is my fifth project, the chekhovian. Everybody's got the same dialogue (ramdomly elaborated on class) and we were supposed to create a scene to give a meaning to it. The most important was the subtext not the lines themselves. Check the dialogue:

A - It looks like rain.
B - The grass is always greener.
A - What's the first sentence?
B - Oh, my God, what the fuck.
A - Life is always unexpected.
B - You don't say?
A - Let's eat some tacos.
B - Hun?
A - I can't understand you.
B - Are you that dumb?

As usual, my sweet teacher didn't say anything nice about it. He told me I didn't get it. Period. What the heck did I miss? In fact, I don't know how he could've said that if he didn't even watch the whole film because he has ketchup phobia and there's kind of a disgusting scene with it.

I cannot say I'm completely happy with the result though. It started weird from the senseless dialogue. It's hard to make sense of that. And I've had 5 hours to shoot everything. Didn't got all the coverage I wanted.

Plus, as I told you in another post, I've had problems with my crew during the shootings. My footage was crap. I did color correction as much as I could. But the framing still sucks, I know! I'm not gonna give more excuses. A director is always somehow responsable for the final product. So, that's it. What else can I say? I just have to thank the awsome actors that helped me on this.

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Este é o meu quinto projeto, o tchekhoviano. Todo mundo teve o mesmo diálogo (aleatoriamente elaborado em classe) e cada um criou uma cena pra dar um sentido a ele. O mais importante era o subtexto não as falas propriamente. Dá uma olhada no diálogo:

A - Parece que vai chover.
B - A grama é sempre mais verde.
A - Qual é a primeira frase?
B - Oh, meu Deus, que porra.
A - A vida é sempre inesperada.
B - Não me diga?
A - Vamos comer uns tacos.
B - Hum?
A - Eu não consigo te entender.
B - Você é tão estúpido(a) assim?

Como de costume, meu querido professor não disse nada de positivo. Simplesmente falou que eu não captei a mensagem. Ponto. Putz, qual é a ficha que tá faltando cair? Na verdade, eu não sei como ele pode ter dito isso se ele nem sequer assistiu ao filme inteiro, porque ele tem fobia a ketchup e tem uma cena meio nojentinha com ele. Tá certo...

Mas não posso dizer que tou completamente feliz com o resultado. Tudo começou estranho a partir do diálogo sem pé nem cabeça. É difícil dar um sentido a esse texto. Além disso, só tive 5 horas pra filmar, portanto, não consegui toda a cobertura de imagens que eu queria.

Adicionalmente, como eu já contei em outro post, tive problemas com minha equipe durante as filmagens. As imagens ficaram bem ruinzinhas. Corrigi as cores na edição tanto quanto pude. Mas o enquadramento ainda ficou uma m..., eu sei! Não vou dar mais desculpas. Um diretor é sempre de algum modo responsável pelo produto final. Então, tá. Dizer o quê mais? Só tenho é que agradecer aos dois ótimos atores que colaboram nesse projeto.

Final project on a hard drive | Projeto final já está num hard drive

(leia versão em português abaixo)

Finally, I finished shooting my final project. Oh, my Gosh, it's been wild these days. Starting with the script. Last week, I didn't have a story. Then I remember an idea for a scene that I've had last year for a screenplay contest. The scene happened on an elevator.

So I started to search for an elevator with detachable walls, for shootings. Nothing. Only insanely expensive places, that asked me like a US$ 5.000 deposit, for example. I realized that it would be impossible to get it in such a short time. Plus, I've read the script in class and the teacher -- that sweetest one -- told me: "It has no story". Huge crisis during all the week: "Am I ever gonna be good? on this". And trying to come up with another story.

After all the effort, my colleagues told me that they thought the first idea was better than the other ones. So back to zero. I adapted the story to a conference room instead of an elevator.

At the same time, I posted adds at LA Casting and Now Casting -- sites where we can find actors -- for an audition.

Next step was to find a location to shoot. School was a possibility but I would have to get all the furniture. Too much of a hassle. Then, searching on Craig's List, I found a perfect (and expensive) place. I got a discount for students. They were really nice.

So that's it. Shootings were fast. Faster than I could ever imagine. But this can be a problem too. I certainly forgot to do stuff. Let's check on the editing room.

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Finalmente terminei de gravar o meu projeto final. Fala sério, foram dias do cão. Começando com o script. Semana passada eu ainda não tinha uma história. Então eu me lembrei de uma idéia pruma cena que eu tive no ano passado prum concurso de roteiro. A cena se passava num elevador.

Então eu comecei a procurar por um elevador, com paredes destacáveis pras filmagens. Nada. Apenas lugares insanamente caros, um me pediu 5 mil dólares de depósito, por exemplo. Percebi que seria impossível arranjar isso em tão pouco tempo. Além disso, eu li o script em sala de aula eo professor - aquele doce de pessoa - me disse: "Não tem história aqui". Crise total durante a semana: "Será que algum dia eu vou ser boa nisso?". E tentando criar uma outra história.

Após todo o esforço, os meus colegas e disseram que a primeira ideia era melhor do que as seguintes (sim, pensei em mais duas). Então, de volta ao zero. Adaptei a história pra uma sala de reuniões, em vez de um elevador.

Ao mesmo tempo, eu postei no LA Casting e no Now Casting - sites onde podemos encontrar atores - pra fazer testes.

O próximo passo era encontrar um local pra filmar. A escola era uma possibilidade, mas eu teria que arranjar os móveis. Uma trabalheira danada. Então, pesquisando no Craig's List, eu encontrei um perfeito (e caro) lugar. Eu tenho um desconto para estudantes. Eles estavam realmente agradável.

Então é isso. Tiroteios foram rápidos. Mais rápido do que eu jamais poderia imaginar. Mas isto pode ser um problema também. Eu certamente esqueci de fazer coisas. Vamos verificar na sala de edição.

Course motto: move your butt! | Lema do curso: se vira!

(leia versão em português abaixo)

I was talking to a friend that follows my blog yesterday and he was suprised with this revelation: school only provides us the equipment. We have to do everything else by ourselves. Well, I thought it was that was perfectly clear, isn't it? The motto is "move your butt!".

So when you watch the movies I did it means really that I did everything. Not only get a script out of my head and go to the set to direct it. We have to find the actors, the locations, provide transportation and food, get costumes and props, manage the budget. My crew is me and two classmates.

And, after shooting, I have to edit it myself on Final Cut. There's no editor to do that for us.

That said, I'm dealing with my final project this week. I wanted to get more people to help, but Gosh it's hard to find them. Even to hire.

So I'm struggling with my script, have casting auditions on Wednesday and I'm shooting on Saturday -- with or without additional crew. Oh, my God, I 'm trying not to crack. Moreover, I have to join another project from Wednesday to Friday, full time.

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Eu estava conversando com um amigo que acompanha o meu blog ontem e ele ficou surpreso com esta revelação: a escola só nos fornece o equipamento. Temos de fazer tudo por nossa conta. Bem, eu pensei que isso tava perfeitamente claro, não? O lema é "se vira!".

Então, quando você assiste os filmes que eu fiz isso significa que eu realmente fiz de tudo. Não é só arrancar um script da minha cabeça e ir pro set dirigir. Temos de encontrar os atores, as locações, fornecer transporte e alimentação, adquirir as roupas e adereços, gerenciar o orçamento. Meu grupo sou eu e duas colegas. Cada uma cuida do seu projeto.

E, depois de filmar, tenho que editar eu mesma no Final Cut. Não há nenhum técnico pra fazer isso por nós.

Dito isto, estou lidando com o meu projeto final esta semana. Eu queria ter mais pessoas pra ajudar, mas céus é difícil encontrar. Mesmo pra contratar.

Então, eu estou lutando com meu script, tenho testes de casting na quarta-feira e filmo no sábado - com ou sem equipe adicional. Oh, meu Deus, tou tentando não pirar. Ainda por cima, tenho que participar de outro projeto de quarta até sexta, tempo integral.

Fifth project shooted, thanks God! | Terminadas as filmagens do quinto projeto, graças a Deus!

(leia versão em português abaixo)

I've never thought I'd say this but I'm thankfull that my chekhovian project is almost done. It's exhausting to shoot so many things in such a short time. And I think it's planned by the school in advance to be this way. They want us to feel tired, under pressure and all. I feel like I'm in that movie G. I. Jane (with Demi Moore, do you remember?). They want us to quit, to give up. But I won't. As days go by, I realize this is what I wanna do for the rest of my life. I'm improving, I love creating stories, I love making them come true.

For this project, luckly, I've got two amazing professional actors and I hope I won't screw up the whole thing. I have to have the coverage for all the scenes, please! Shootings yesterday were very stressfull. And at a certain point, because of the problems I've had with one of my crew's member, I kind of lost my concentration on thinking of the best shots. I shouldn't, but I couldn't avoid it. I'm not perfect - yet. Now I think I'm beggining to understand what a director does.

Now I have to concentrate all my efforts on the final project. I'm shooting from 19th to 21st this month. It's next week. I'm gonna have a nervous breakdown. Breath, breath! And I don't have a story yet. Well, maybe. It's simple but not easy. And I need perfect acting and perfect directing in order to succeed.

But first things first. Today I have to edit my fifth project, the chekhovian.

PS: I'm smoking three times much. Inevitable.

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Eu nunca pensei que eu diria isso, mas graças a Deus meu projeto tchekoviano está quase pronto. É cansativo filmar tantas coisas em tão pouco tempo. E eu acho a escola faz isso de propósito. Eles querem nos exaurir, pressionar até a última gota. Tou me sentindo naquele filme G.I. Jane (com Demi Moore, lembra?). Tão que nem Capitão Nascimento: "Pede pra sair!". Nem morta! A cada dia que passa, eu tenho mais certeza de que é isso que eu quero fazer pro resto da minha vida. Estou melhorando, eu amo criar histórias e adoro fazê-las virarem realidade.

Neste projeto, tive a sorte de contar com dois incríveis atores profissionais e espero que não ter estragado a coisa toda. Eu tenho que ter a cobertura para todas as cenas, pelamordedeus! As filmagens ontem foram muito estressantes. E em um certo ponto, por causa dos problemas que tive com um membro de minha equipe, eu meio que perdi minha concentração para filmar os melhores ângulos. Eu não devia, mas não pude evitar. Não sou perfeita - ainda. hahaha Acho que tou começando a entender o que um diretor faz.

Agora tenho que concentrar todos os meus esforços no projeto final. Vou filmar de 19 a 21 deste mês. É na próxima semana já. Vou ter um colapso nervoso. Respira, respira! E eu não tenho uma história ainda! Bem, talvez eu tenha. É simples, mas não é fácil. E eu preciso de direção e atuações perfeitas pra ficar bom sucesso. Não serve o mais ou menos.

Mas uma coisa de cada vez. Hoje eu tenho que editar meu quinto projeto.

PS: Tou fumando três vezes mais. Inevitável.

Fourth project: I guess I'm getting there | Quarto projeto: acho que tou chegando lá

(leia versão em português abaixo)

This is my fourth project, the music video. The goal was to explore the relationship between sound and film, using narrative tools like montage and jump cuts. We were encouraged to explore a more personal form of visual storytelling.

I used my cousin's song (he has a band with a recently released CD) and I tried to be inspired by the music, not by the lyrics. Only some lines - as "What’s the color of our love? | And if black or white it’ll be" - influenced my story. I wanted to be something very romantic. But yet funny. And in some moments the story works in concert with the music, as you can check.

By the way, it was insane to shoot everything in only 5 hours. We had to move really fast. Plus, I've had to face a huge problem. I've imagined a bigger story and when we started to shoot at Exposition Park Rose Garden (Los Angeles) I realized that we wouldn't be able to do it in such a short time. So I've cutted and changed the story while shooting. (I don't know what can be more insane than that: you have to block the actors, set the camera and create the story as you go!) I was terrified that it wouldn't work.

My sweet teacher liked it! (of course he complained about some coverage that's missing) And my coleagues liked it too! Some of them told me it was the best work of class combining story and music. Well, all I can say is it's not even close to perfection, but I'm really proud of this son.

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Este é o meu quarto projeto, o vídeo de música. O objetivo era explorar a relação entre som e filme, utilizando ferramentas narrativas de montagem e cortes. Fomos encorajados a contar a história visualmente de uma forma mais pessoal.

Eu usei canção do meu primo (ele tem uma banda com CD lançado recentemente) e tentei me inspirar na música, não na letra. Apenas algumas frases - tipo "Qual é a cor do nosso amor? | E se preto e branco for" - influenciaram a minha história. Eu queria uma coisa bem romântica. Mas também engraçada. Em alguns momentos a história trabalha em conjunto com a música, como você pode conferir.

Falando nisso, foi loucura total filmar tudo em apenas 5 horas, como eles mandam. Tivemos que correr. Além disso, eu tive que enfrentar um grande problema. Eu imaginei uma história bem maior e quando começamos a filmar no Exposition Park Rose Garden (Los Angeles), percebi que não seria capaz de completar tudo em tão pouco tempo. Então eu cortei e mudei a história à medida que ia filmando. (Eu não sei o que pode ser mais insano do que isso: você tem que marcar a cena pros atores, decidir posicionamentos de câmera e ainda criar a história ao mesmo tempo!) Eu fiquei com medo de dar tudo errado.

Mas meu querido professor gostou! (É claro que ele reclamou de alguns takes de cobertura que estão faltando, ok.) E os meus colegas também gostaram! Alguns deles me disseram que era o melhor trabalho da classe a combinar história e música.

Bem, tudo o que posso dizer é que o vídeo não chega nem perto de ser perfeito, mas eu estou realmente orgulhosa deste "filho".

What's this dialogue about? | Sobre o quê é esse diálogo?

(leia versão em português abaixo)

My next film sounds really fun. It's the chekhovian project (like in Chekhov, the writer). Everybody's got the same dialogue (ramdomly elaborated on class) and we're supposed to create a scene to give a meaning to it. What's most important is the subtext not the lines themselves. Here it is:

A - It looks like rain.
B - The grass is always greener.
A - What's the first sentence?
B - Oh, my God, what the fuck.
A - Life is always unexpected.
B - You don't say?
A - Let's eat some tacos.
B - Hun?
A - I can't understand you.
B - Are you that dumb?

We have to shoot it on the next weekend. This means to have the story, the location and the actors by the end of this week.

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Meu próximo filme promete ser divertido. É o projeto tchekhoviano (como em Tchékhov, o escritor). Todo mundo terá o mesmo diálogo (aleatoriamente elaborado em classe) e temos que criar uma cena para dar um sentido a ele. O mais importante é o subtexto não as falas propriamente. Aqui está:

A - Parece que vai chover.
B - A grama é sempre mais verde.
A - Qual é a primeira frase?
B - Oh, meu Deus, que porra.
A - A vida é sempre inesperada.
B - Não me diga?
A - Vamos comer uns tacos.
B - Hum?
A - Eu não consigo te entender.
B - Você é tão estúpido(a) assim?

Temos que filmar no próximo final de semana, o que significa que temos que ter a estória, a locação e os atores até o final desta semana.

Third assignment: a compliment! Yes! | Terceiro filme: um elogio! Uau!

(leia versão em português abaixo)

This is my production workshop film and my third project. Filmed at Western back lot set of Universal Studios. We had just three hours to shoot everything (I got less because we started later due to wardrobe problems). A couple of days before they tell us how many actors we'll have. The task is to come up with a story that fits them, about a chase, in this location. Differently from other assignments, they give us the film (two rolls of b&w 16mm - 80 ASA).

Unexpectedly, my dear teacher said "uau" at the end of the screening and also that the last part of my film looks like "professional". So, I think I'm getting it. Yeah... Everything that I've been learning for the past three weeks is starting to sync.

A positive aspect is that I know exactly what I missed during the shooting, even before the teacher starts to point them. That's good, right?

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Este é meu filme da oficina de produção e meu terceiro projeto. Filmamos na cidade cenográfica de faroeste do Universal Studios. Tivemos apenas três horas pra filmar tudo (eu tive menos porque nós começamos mais tarde devido a problemas com o figurino). Dois dias antes, eles nos avisam quantos atores teremos. A tarefa é criar uma história que encaixe esses atores/personagens em uma cena de perseguição neste local. Diferentemente dos outros projetos, neste, eles nos dão o filme (dois rolos de 16 mm pb - 80 ASA).

Inesperadamente, meu querido professor disse "uau" ao final da projeção e também que a última parte do meu filme parece "profissional". Então, eu acho que estou começando a pegar o jeito da coisa. Yeah ... A ficha está caindo, depois de tudo que eu aprendi ao longo das últimas três semanas. Aleluia!

O bom é que antes mesmo do professor começar a apontar as falhas que eu cometi nas filmagens eu já consigo perceber quais foram. Bom, né?

Second project: getting better, smile! | Segundo projeto: melhorando!

(leia versão em português abaixo)

This is my second project at New York Film Academy. We were challenged to make a film that maintained continuity in story, time, and space. The action had to unfold utilizing a variety of shots (10-15) in a continuous sequence (no perceptible jumps in time or action). It was essential that the audience believed in the reality of the scene. Remember, no dialogues, it's a silent movie. I used three rolls of 16 mm black and white (80 ASA) and we shooted the whole project in 5 hours. I tried to use music and sound effects as well.

My teacher didn’t like it. He said it’s cheesy and also criticized some shots that have problems with the eye line. Ok. But I’m very proud of myself because I feel I’m improving. When my coleagues tried to describe my story (it’s an exercise that we do on class), they used the exact same words I used to tell it to my actors before the shootings. So I guess I’m showing better the images. Of course there are problems, I’m still learning!

PS: I showed my film to other teachers and people at school and they told me it’s one of the best films that they’ve ever seen at Nyfa – considering that’s only my second project. "It has beggining, middle and end! And makes sense!", they said.

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Este é o meu segundo projeto na New York Film Academy. Fomos desafiados a fazer um filme que mantivesse a continuidade na história, tempo e espaço. A ação tinha que se desdobrar utilizando vários shots (15/10) em uma seqüência contínua (sem saltos perceptíveis no tempo ou ação). Era essencial que o público acreditasse na realidade das cenas. Lembre-se, sem diálogos, é um filme mudo. Eu usei três rolos de 16 mm preto e branco (80 ASA) e nós filmamos todo o projeto em 5 horas. Eu tentei usar a música e efeitos sonoros também.

Meu professor não gostou. Ele disse que meu filme é brega e também criticou algumas partes que têm problemas com a linha dos olhos (tipo o ator não está olhando pro lado certo). Ok. Mas estou muito orgulhosa de mim porque eu sinto que estou melhorando. Quando meu colegas tentaram descrever a minha história (é um exercício que a gente faz), eles usaram as mesmas palavras que eu usei para conversar com meus atores durante as filmagens. Então eu acho que estou mostrando melhor a história com imagens. Claro que existem problemas, ainda estou aprendendo, né?

PS: Eu mostrei meu filme pra outros professores e profissionais na escola e eles me disseram que é um dos melhores filmes que já viram na NYFA - considerando que é apenas o meu segundo projeto. "Tem começo, meio e fim! E faz sentido!", eles disseram.

First attempt: Scrub you (mis-en-scène) | Primeira tentativa: filme de mis-en-scène

(leia versão em português abaixo)

This is my first project at New York Film Academy (NYFA) 8 week program, a mise-en-scène. The goal was to direct one shot to visually tell a story (with beginning, middle, and end) without using sound (or dialogues). It was filmed in 16mm black and white.

As you may see, the goal was not fully achieved. My idea was to show a spoiled guy demanding his girlfriend to treat a simple cut on his finger with huge medical care. Even though she's seriously injured, she attends his claims. Then, she gets fed up and tells him to treat the cut himself, using a band-aid. The title is a pun on a well-known slangy expression in English.

My budget for this film was US$ 230 (US$ 104 on film and post-production) and we had 4 hours to shoot it, plus 4 hours to edit it. (We do everything by ourselves, without external help.)

My teacher told me it's a great story but I didn't know how to stage (block) the actors to show better the actions for the camera. Also I didn't needed the medical wardrobe. He said to all the class: "K.I.S.S" (keep it simple, stupid!).

The fact is I wanna the audience to think the character is a doctor and the discover he is te patient. But couldn't make it clear. Next time I know: don't try to put lots of information in one minute. Just keep it clean: only what really really matters. Only the absolute necessary.

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Este é meu primeiro projeto na New York Film Academy (NYFA) no programa de 8 semanas, uma mise-en-scène. O objetivo era dirigir um único take para contar visualmente uma história (com início, meio e fim) sem usar som (ou diálogos). Foi filmado em 16mm preto e branco.

Como você pode conferir, a meta não foi plenamente atingida. Minha idéia era mostrar um cara mimado exigindo da namorada enormes cuidados médicos para o tratamento de um simples corte no dedo. Mesmo estando gravemente machucada, ela atende aos seus caprichos. Até se encher e dizer a ele pra se virar sozinho com um band-aid. O título é um trocadilho com a expressão "screw you", algo como "vá se danar" em inglês.

Meu orçamento para este filme foi de US$ 230, sendo US$ 104 em filmes e pós-produção. Nós (equipe de três pessoas) tivemos 4 horas para filmar e mais 4 para editar. (Fazemos tudo nós mesmos, sem contar com ajuda externa.)

Meu professor falou que a história é ótima, mas eu não soube como marcar a cena para os atores de forma que mostrasse melhor as ações para a câmera. Também não precisava das roupas de médico. Ele disse pra classe: "K.I.S.S." (mantenha o negócio simples, estúpido!).

O fato é que eu queria que o público pensasse que o personagem era um médico e depois descobrisse que ele o paciente. Mas não consegui deixar isso bem claro. Da próxima vez, já sei: não tente colocar muita informação em um minuto. Mostre apenas o que realmente importa. Só o absolutamente necessário.

On the western streets of Universal | Filmando no faroeste da Universal

(leia versão em português abaixo)

One of our actors blocked for shoot | Um dos nossos atores na marca para filmar

Last Thursday we shooted more short films at Universal Studios back lot set. This time I've been the writer/director. We filmed two shorts, one minute each. This back lot set has western and mexican streets.  It was used by films like "The Color Purple" (1985) and "Seabiscuit" (2003).

I was so apprehensive, because we had a misunderstanding on our team. We should tell Nyfa Costume Department, until 11am of the previous day, what costumes we would use. I was not at school that day, so I sent an e-mail to my colleagues. But they thought I haven't sent. Anyway, they had another list that included my needs perfectly.

But when we got to the set, the coordinator of the wardrobe wouldn't release the costumes of my actors. We had to wait until all the other teams took their things first. He said we could use only what's left. A huge waste of time.

Also, I took a long time to choose the place to start shooting. After all, all the other teams had taken the places I wanted. But we finally found an interesting site.

I don't if we're too slow, but we're always the last crew to complete the filming. Maybe we are more dedicated. Thus, the coordinator of the filming began yelling at before lunchtime. "But we're on our last take," I told him. He got angry with me, but let us finish. It's not because I'm girly that'll let a male speak loudly to me. I thickened my voice as well. After all, we still had two minutes according to his previous schedule. We were not extrapolating. Later he came to apologize. I thought it was pretty nice of him.

Despite all the problems and tensions, I think we have a good story. Next week, I'll upload it here. I swear.

In the afternoon, our team decided to make a short film directed by the three of us together. Each directed a couple of shots and we rotated the positions of director of photography and camera assistant. We are working much better together now. It's starting to flow. One understands the other with fewer words.

Our joint story combines western style with an astronaut, can you imagine? Because since we went to the Department of Costume Design of Universal Studios, Raquel wanted to use the space suit we saw there. Nice to do something more fun, huh?

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Na quinta, nós filmamos mais curtas nos estúdios da Universal. Desta vez eu fui a roteirista/diretora. Filmamos dois curtas, de um minuto cada. Essa cidade cenográfica tem ruas de faroeste e outra parte mexicana. Foi usada em filmes como "A Cor Púrpura" (1985) e "Alma de Herói" (2003).


Eu estava tão apreensiva, porque nós tivemos um mal-entendido na nossa equipe. Deveríamos comunicar ao departamento de figurino da Nyfa, até as 11h do dia anterior, que roupas usaríamos. Eu não estava na escola nesse dia, então eu mandei um email pras minhas colegas. Mas elas acharam que eu não tinha enviado. De qualquer maneira, elas apresentaram uma outra lista que contemplava as minhas necessidades perfeitamente.


Mas, quando chegamos ao set, o coordenador do guarda-roupa não quis liberar os trajes dos meus atores. Tivemos que esperar até que todos as outras equipes pegassem suas coisas primeiro. O que restasse, poderíamos usar. Uma enorme perda de tempo.


Além disso, eu levei um bom tempo pra escolher o lugar para começar a filmagem. Afinal, todas as outras equipes tinham tomado os lugares que eu queria. Mas conseguimos encontrar um local interessante finalmente.


Não sei se a gente é muito lenta, mas sempre somos as últimas da turma a concluir as filmagens. Talvez sejamos mais dedicadas, não sei. Assim, o coordenador das filmagens passou um pito na hora do almoço. "Mas nós estamos no último take", eu disse. Ele ficou bravo comigo, mas deixou a gente terminar. Não é porque sou girly que vou deixar um macho falar alto comigo. Também engrossei a voz. Afinal, ainda tínhamos dois minutos dentro do prazo que ele tinha passado inicialmente. Não estávamos extrapolando. Mais tarde ele veio me pedir desculpas. Achei bem legal da parte dele.


Apesar de todos os problemas e tensões, acho que vamos ter uma boa história. Na próxima semana, vou colocar aqui no blog. Juro.


Pela tarde, nossa equipe decidiu fazer um curta dirigido por nós três juntas. Cada uma dirigiu uma parte e nós cambiamos as posições de diretor de fotografia e assistente de câmera. Estamos trabalhando muito melhor juntas agora. Está começando a fluir. Uma entende a outra com menos palavras.


Nossa história conjunta combina o estilo faroeste com um astronauta, acredita? É que desde que fomos ao Departamento de Figurino da Universal, a Raquel queria porque queria usar a roupa de astronauta que vimos lá. Legal fazer algo mais divertido, sem compromisso.

Production workshops at Universal Studios back lot | Oficinas na cidade cenográfica da Universal

I'm feeling like I'm in a roller coaster. Besides de projects that we have to shoot each weekend, New York Film Academy's (NYFA) 8 week program includes two production workshops in different days. We did our first on last Saturday.

On these workshops, Nyfa provides actors (students from the Acting program), Universal Studios' costumes and back lot. The fun of the assignment is that you cannot choose the theme or the actors (they tell you for example, you'll have three actors for the scene) or the location.

The theme was an exchange between characters and we've shooted the one minute scene at the European backlot (where part of "Pirates of the Caribbean" 1,2,3 has been shot). Our crew got three actors (a guy and two girls).

As you can see on the picture above, the back lot emulates an ancient city. So we've asked for a special wardrobe. We've spend the whole day there. So by the morning we have one writer/director of the scene and by the afternoon is another one of the crew. I didn't directed this time only worked as director of photography (DP) and assistant camera (AC).

For the first scene we've got a pirate outfit and for the second it was more of a medieval thing (reminding Victor Hugo's stuff). For each we've got two rolls of 100 feet (2 minutes and 45 seconds).

Since we haven't been on the back lot before it's hard to choose the exact location to shoot. Then it was the first time working together with different shots. (we've only had filmed a mis-en-scene - a one shot film - by that day.)

Problems that we've faced:

1) We have to work fast to shoot everything we need in a short amount of time.

2) We have to trust each other and at the same time help each other. That was the major issue, because in my crew the other two girls are very familiar to photography. So they know about apertures and focuses. I don't. I'm learning. I'm slow. At certain moments they just ignored me and took the camera or did the tasks I was supposed to do (before I had the chance of doing them). By the end of the day, they complained that I wasn't doing so much or that I was paying attention to the teacher's explanations instead of doing my job. C'mon, it's an assignment to practice and learn exactly these things! If I don't learn now when I'm supposed to learn? I felt that it's was pretty unfair to say that about me and we kind of argued. But everything's solved now. After all we've became friends. We're girls! Girls talk!

3) We have to comunicate our intentions very well because we don't have a tv monitor to see what's being framed or filmed.

PS: I've been to Universal's wardrobe and props department. It's amazing. Everything you can imagine they have. Really! Astronauts, peasants, indians, africans, japanese, chinese, tropical, fire fighters, warriors, wizards, medieval, gothic, fairytale, soccer, football, police, medical scrubs, anything.

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Estou me sentindo numa montanha russa. Além dos projetos que temos que filmar a cada fim de semana, o programa de 8 semanas da New York Film Academy (NYFA) inclui dois workshops de produção em dias diferentes. Tivemos o nosso primeiro no sábado passado.

Nessas oficinas, a NYFA (lê-se Náifa) fornece os atores (alunos do programa de interpretação), roupas, acessórios e uma das cidades cenográficas do Universal Studios. O legal é que você não pode escolher o tema ou os atores (eles ditam o que vai ser) ou o local.

O tema foi uma troca entre os personagens e filmamos a cena de um minuto no cenário europeu (onde filmaram parte do "Piratas do Caribe" 1,2,3). Nossa equipe contou com três atores (um rapaz e duas meninas).

Como você pode conferir na imagem acima, a cidade cenográfica reproduz uma Europa antiga. Então nós pedimos um guarda-roupa especial. Passamos o dia inteiro lá. Pela manhã, tivemos uma roteirista/diretora e à tarde outra. Não dirigi desta vez, só trabalhei como diretora de fotografia e Assistente de Câmera.

Para a primeira cena pedimos roupas de pirata e pra segunda foi mais no estilo dos romances de Victor Hugo. Para cada cena recebemos dois rolos de 100 pés (2 minutos e 45 segundos).

Como não conhecíamos a cidade cenográfica de antemão, não foi fácil escolher o local exato para filmar. Foi a primeira vez que trabalhamos em conjunto com diversos takes. (Só havíamos filmado uma mis-en-scène - um filme de um take - até esse dia.)

Os problemas que nós enfrentamos:

1) Temos que trabalhar rapidamente para filmar tudo o que precisamos em um curto espaço de tempo.

2) Nós temos que confiar uns nos outros e, ao mesmo tempo, ajudar uns aos outros. Esse foi o grande problema, porque na minha equipe as outras duas meninas estão super familiarizadas com fotografia. Então, elas sabem tudo sobre foco e abertura de lentes, etc. Eu não. Estou aprendendo. Então não sou vapt vupt, né? Em certos momentos elas simplesmente me ignoraram e pegaram a câmera ou fizeram as tarefas que eu deveria fazer (antes que eu tivesse chance de executar). Ao final do dia, elas reclamaram que eu não estava fazendo o que me cabia ou que eu estava mais é prestando atenção às explicações do professor ao invés de fazer o meu trabalho. Fala sério, o exercício era exatamente pra praticar e aprender essas coisas! Se eu não aprender agora, quando é que eu vou aprender? Achei muito injusto elas me cobrarem isso e meio que a gente bateu boca. Mas agora tudo está resolvido. Afinal, somos amigas. E meninas! Garotas dsicutem relação!

3) Temos que comunicar nossas intenções muito bem, porque não temos um monitor de TV pra ver o que está sendo enquadrado ou filmado.

PS: Fui ao departamento de figurino da Universal. É fantástico! Tudo o que você imaginar eles têm. Sério! Astronautas, camponeses, índios, africanos, japoneses, chineses, tropical, bombeiros, guerreiros, magos, medieval, gótico, contos de fadas, futebol, polícia, médico, qualquer coisa. Da próxima vez que for lá vou tirar uma foto pra você ver.

I joined the army without knowing it! Help! | Me alistaram no exército! Socorro!

Waking up at 4 in the morning. Walking long distances. Then carry heavy equipment. Work all day. Sandwiches as lunch. Work even more. Stop at 9 pm. Try to get some sleep. Wake at 4 again to plan the new shooting. That's my life. I mean, we actually could say I have no life. I joined the Army without notice. Please, get me out of this!

Today I was complaining about that to a friend of mine wich is finishing the one-year Filmmaking program. This week we've had three open pre-production times, something like nine hours free. Do you think we can enjoy those hours? Nope. You barely can sleep because you have to create new stories, cast the actors, decide about wardrobe and props, plan your shoot list, etc.

Do you think the one-year program is easier? Nope. It's the same rythm. My friend explained that the school does that on purpose. They want us to think like a director and work under pressure. You have to be able to think fast, come up with solutions. Ok, it makes sense.

But all my classmates (including me) are exhausted. It's serious! I can hardly think either in English or Portuguese. So I just had to squeeze my brain to create a new story for shooting tomorrow. I already had a story, but it sucked. I could read it in my teacher's face when I told him what was about.

So I did an extra effort to watch a movie til the end (it's the first one since I've got here cause I'm always so tired that I sleep in the beggining) and have some ideas of camera movements. Then I woke up at 4 am to create a new story with the same four actors that I've already had casted for tomorrow. The same actors, same wardrobe and same locations! I'm feeling like I'm the ultimate tightrope walker.

Ok, I think that maybe this new story sucks less. So that's positive, right? The only thing was that I needed to make a photo shooting with one of my actresses because I'll have to print pictures of her to use at the location. And I just don't have a camera.

But at the end everything went fine. I've got not only a camera, but two and two excellent photographers (for free). Fortunally, the actress was free after 6 pm (when we finished our production workshop). Everything fell into place.

Now I have to get some sleep. Tomorrow we're shooting three projects. So we're going to start by 8 am and finish maybe at midnight. But before that I'll have to wake up at 4 am to plan my shoot list, choose the pictures and go to a place to print them. So what am I doing here writing? Good night!

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Acordar às 4 da matina. Caminhar pra burro. Carregar equipamentos pesados. Trabalhar o dia todo. Sanduíches como almoço. Trabalhar ainda mais. Parar só as 21h. Tentar dormir um pouco. Despertar às 4 novamente para planejar a nova filmagem. Essa é a minha vida. Quer dizer, eu não tenho vida. Entrei pro exército sem saber. Por favor, pára o mundo que eu quero descer!

Hoje eu estava reclamando com um amigo meu sobre isso. Ele está concluindo o programa de cinema de um ano. Esta semana tivemos três vezes horários abertos para pré-produção, algo como nove horas livres. Você acha a gente pode desfrutar essas horas? Na-na-ni-na-não. Você mal consegue pode dormir porque você tem que criar novas histórias, elenco os atores, decidir sobre o guarda-roupa e adereços, o plano de sua lista de filmar, etc

Você acha que o programa de um ano é mais fácil? Nem pensar! É o mesmo ritmo. Meu amigo senegalês me explicou que a escola faz isso de propósito. Querem nos fazer pensar como um diretor e trabalhar sob pressão. Você tem que ser capaz de pensar e agir rápido, encontrar soluções. Ok, faz sentido.

Mas todos os meus colegas (inclusive eu) estão pra lá de exaustos. É sério! Eu mal consigo raciocinar em Inglês ou Português. Então, eu tive que espremer meu cérebro hoje pra criar uma nova história para filmar amanhã. Eu já tinha uma história, mas era bem ruinzinha. Tava escrito na cara do meu professor quando eu contei do que se tratava.

Então eu fiz um esforço extra pra assistir a um filme até o fim (é a primeira vez que eu assisto algo aqui porque eu sempre estou tão cansada que durmo no início) e ver se tenha algumas idéias para movimentos de câmera. Então eu acordei às 4 da matina pra criar uma nova história com os mesmos quatro atores que eu já tinha escalado para amanhã. Os mesmos atores, mesmo figurino e mesmas locações! Estou me sentindo a própria equilibrista na corda bamba.

Ok, acho que talvez esta nova história seja menos pior. Então, isso é algo de positivo, né? A única coisa foi que eu precisava fazer era uma sessão fotográfica com uma das minhas atrizes, porque eu vou ter que imprimir fotos dela para usar na locação. E eu simplesmente não tenho uma câmera fotográfica.

Mas no final tudo correu bem. Eu consegui não só uma câmera, mas duas, além de dois excelentes fotógrafos (de graça). Felizmente, a atriz estava livre depois das 18h (quando nós terminamos o nosso workshop de produção). Tudo se encaixou perfeitamente.

Agora eu tenho que dormir um pouco. Amanhã nós vamos filmar três projetos. Então, vamos começar às 8h e terminar, com sorte, à meia-noite. Mas antes disso eu vou ter que acordar às 4h pra planejar a filmagem, escolher as fotos e ir a um lugar pra reproduzí-las. Então o que eu estou fazendo aqui escrevendo? Boa noite!

The distance between paper and screen | A distância entre o papel e a tela

If you love cinema and studied a little bit about it you've probably heard about the distance between the ideas in paper and the results on screen. Me too.

But one thing is to read about it and listen to other people complaining. Another thing is to experience that. And I'm not talking about the colaborative work that films are. It's not an issue about how a director or the crew can change the previous script.

Today I've seen the results of my first project, the mis-en-scene. Disappointing, I must say. I always thought of filmmaking as turning dreams, ideas, into "reality". But my product was far from what I've previously imagined.

1) First thing that I didn't like: the texture of Kodak 7222 film (200 ASA). It's too grainy. I don't know if we did something wrong, I'll have to ask my teacher. We seemed to have plenty of light with correct exposure.

2) I should've payed more attention to the actor's performance. They've done their best, of course. But there are some things that could've been improved if - again, if - I've had a monitor at the set (wich the school doesn't allow us to).

3) The absence of a monitor affected the framing as well. I think I explained very well to the Director of Photography but nevertheless the result was not exactly what I expected for. (Okay, we're all learning, right?)

4) Finally, I think the worse of all was my idea. It didn't worked as I expected. I've ended a little frustrated with my poor achievment. i know that I'm always too picky about myself, yeah. But maybe this time I'm just being realistic.

You'll check it yourself (and later tell me). I'll upload it as soon as possible. I've already edited it, but's missing the soundtrack. It's just a silent movie right now.

Well, I couldn't end this post without recognizing at least one good thing. We used a skate board to emulate a dolly (cause the school doesn't provide us with this kind of equipments on first assignments). I was really afraid that the images would seem to be dancing. No. It shaked a little bit but nothing much.

Tomorrow the projects will be sreened for comments on my class. Let's see what the teacher is going to say.

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Se você gosta de cinema e estudou um pouco sobre, provavelmente já ouviu falar sobre a distância entre as idéias no papel e os resultados na tela. Eu também.

Mas uma coisa é ler sobre ou ouvir as queixas usuais. Outra coisa é experienciar isso. E eu não estou falando do trabalho colaborativo que é o cinema. Não é uma questão sobre como um diretor ou a equipe pode mudar o roteiro durante as filmagens.

Hoje eu conferi o resultado do meu primeiro projeto, o mis-en-scène. Decepcionante, devo dizer. Eu sempre pensei em cinema como transformar sonhos, idéias, em "realidade". Mas o meu produto passou longe do que imaginei anteriormente.

1) A primeira coisa que eu não gostei: a textura do filme Kodak 7222 (200 ASA). É muito granulado. Eu não sei se fiz algo errado, vou ter que perguntar ao meu professor. Parecia que tínhamos luz suficiente com exposição correta.

2) Eu deveria ter prestado mais atenção à performance dos atores. Não é que eles tenham sido ruins. Eles deram o melhor. Mas há algumas coisas que poderiam ter sido melhoradas se - mais uma vez, se - eu tivesse um monitor no set (o que a escola não permite).

3) A ausência de monitor afetou também o enquadramento. Acho que expliquei bem o que eu queria à diretora de fotografia, mas mesmo assim o resultado não foi exatamente o que eu esperava. (Tudo bem, estamos todos aprendendo, né?)

4) Por último, o pior de tudo foi a minha idéia. Não funcionou como eu esperava. Fiquei um pouco frustrada com a minha humilde performance. Ok, eu sou sempre muito exigente comigo mesma. Mas desta vez estou apenas sendo realista.

Você vai conferir (e depois me fala). Vou fazer o upload assim que puder. Já está editado, mas falta a trilha sonora. Por enquanto, é apenas um filme mudo.

Bem, eu não poderia terminar este post sem reconhecer pelo menos uma coisa boa. Usamos um skate para simular um dolly (porque a escola não nos fornece esse tipo de equipamento nos primeiros trabalhos). Estava morrendo de medo de que as imagens parecessem estar dançando. Não. Balançou um pouco, mas nada demais.

Amanhã os projetos serão exibidos para comentários na aula. Vamos ver o que o professor vai dizer.

Five things that we can only learn from filmming | Cinco coisas que só se aprende filmando

It's official: I'm exausted. It seems that I'm studying Filmmaking for at least a month and there's only been a week! I've learned more than I could ever imagine in such a short time.

Today we've finished filmming our first projects. We've had two days to do that. The course works like this: during the weekend you learn how to do things (operating the camera, setting the light, production, permits, casting). On Sundays and Mondays, you practice what you've learned. There's no resting day. We just go on 24/7.

My crew has three people (counting with me). So we've shooted 3 projects (one for each). We have to carry all the equipment ourselves! It's heavy. Three girls on the road: one Brazilian, one Spanish and one Philippine. What an international crew, can you imagine us talking to each other?

But let's cut to chase. Our task was directing a shot to visually tell a story (beginning, middle, and end) in 30 seconds to 1 minute. A shot means everything filmed between turning on and off the camera. So you can have a close-up and a wide framing on the same called shot.

Seems so easy but it can become a nightmare. You have to pay close attention to the choice of lenses, distances, and angles. We have to rehearse a lot the shot for blocking of actors and camera until the scene works without needing to stop. Only then we should roll film. So we're talking about one hour to decide where to put the camera, setting the light and all the stuff. Plus at least one hour to rehearse with the actors for the camera.

They tell us we should use just one roll of black and white film, but I used two to be sure I'll have something reasonable after developing it. Each roll has 100 feet or 2 minutes and 45 seconds. So short! Goes like a snap of fingers.

(Just for you to know: there's no cameras with automatic focus. We have to do everything manually.)

So here's five things that I've learned from shooting:

1) The word "simple" gained a whole new meaning to me. Cause first, as a screenwriter, I thought only of the story not on how can it could actually be shooted. Now, operating the camera, measuring light, setting the focus and all that hard stuff made me realize simple is something that I'll have to get used to do.

2) Since we have to rotate in all the positions (screenwriter/director, director of photography and assistant camera) now I know what each one does. And the most important: I'm growing a huge respect for DPs and ACs. Trying to do what they do has been enlightening. Thanks God they exist!

3) Always set the speed of the Arriflex camera before loading it with film or you'll loose a lot of footage. Use a dummy load to do that since the camera has to be running in order to set. Another possibility is just get a camera with fixed speed. Trust me, if you ain't gonna use a different speed why having it on your camera?

4) Check if the reverse button is off. (That was our first huge mistake yesterday.)

5) Before going to the location double check if all the equipments are on the car. (One hour after arriving at the location we've realized that we've left the camera battery at home. We've lost one hour and a half at the traffic just to go back and get it.)

Other things that might be interesting:

1) We can know if the camera was loaded properly only by the sound the film does when is running inside the equipment. It's like a sewing machine.

2) Always be kind to the actors, specially when you're not paying them.

3) I think everything went fine with my project but I'll only be sure after viewing the developed film. Filmmaking is like that: lots of work, fun, pleasure and surprises.

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É oficial: estou exausta. Parece que estou estudando cinema há pelo menos um mês e não há apenas uma semana! Eu aprendi mais do que jamais poderia imaginar em tão pouco tempo.

Hoje terminamos de filmar nossos primeiros projetos. Tivemos dois dias pra fazer isso. O curso funciona assim: durante a semana você aprende a fazer coisas tipo operar a câmera, armar a luz, produzir, fazer casting e outros). Aos domingos e segundas-feiras, você pratica o que aprendeu. Não há dia de descanso. A gente vai direto os 7 dias da semana.

Minha equipe tem três pessoas (contando comigo). Então nós filmamos os três projetos (um de cada). Temos que carregar todos os equipamentos! É pesado pra burro. Três garotas: uma brasileira, uma espanhola e uma filipina. Eita equipe internacional, imagina a gente conversando!

Mas vamos direto ao ponto. Nossa tarefa era dirigir um shot contando visualmente uma história (começo, meio e fim) de 30 segundos a 1 minuto. Um shot significa tudo que é filmado entre ligar e desligar a câmera. Então você pode ter um close-up e uma paisagem nesse mesmo shot.

Parece tão fácil, mas pode se tornar um pesadelo. Você tem que prestar muita atenção à escolha das lentes, distâncias e ângulos. Nós temos que ensaiar muito para marcar a cena para os atores e a câmera até que tudo funcione sem a necessidade de parar ou cortar. Só então devemos rodar o filme. Então, nós estamos falando de uma hora pra decidir onde colocar a câmera, a configuração da luz e todas essas coisas. Mais pelo menos uma hora pra ensaiar com os atores para a câmera.

Eles nos dizem que devemos usar apenas um rolo de filme preto e branco, mas eu usei dois para ter certeza de que terei algo razoável depois de revelado. Cada rolo tem 100 pés ou 2 minutos e 45 segundos. Tão curto! Vai como um estalar de dedos.

(Só pra você saber: não há câmeras com foco automático. Temos que fazer tudo manualmente.)

Então aqui vão cinco coisas que eu aprendi nas filmagens:

1) A palavra "simples" ganhou um significado completamente novo pra mim. Porque em primeiro lugar, como roteirista, eu só pensava na história, não como poderia realmente ser filmada. Agora, operando a câmera, medindo a luz, definindo o foco e tudo o mais me fez perceber que o simples é algo que eu vou ter que me acostumar a fazer.

2) Uma vez que nós temos que nos revezar em todas as posições (diretor/roteirista, diretor de fotografia e assistente de câmera), agora eu sei o que cada um faz. E o mais importante: agora tenho um respeito enorme pelos DFs e ACs. Tentando fazer o que eles fazem tem sido esclarecedor. Graças a Deus que eles existem e eu não preciso fazer isso na vida real!

3) Sempre definir a velocidade da câmera Arriflex antes de carregá-la com o filme ou perde um bocado de filme (literalmente "queima o filme" rsrsrs). Use uma filme de teste pra fazer isso já que a câmera tem que estar rodando com filme pra acertar isso. Outra possibilidade é só pegar uma câmera com velocidade fixa. Confie em mim, se você não vai usar uma velocidade diferente porque tê-la em sua câmera?

4) Verifique se o botão de reverso está desligado. (Esse foi o nosso primeiro grande erro de ontem.)

5) Antes de ir pra locação verifique se todos os equipamentos estão realmente no carro. (Uma hora após chegar ao local é que fomos perceber que tínhamos deixado a bateria da câmera em casa. Perdemos uma hora e meia no trânsito só pra voltar e buscá-la.)

Outras coisas interessantes:

1) Nós podemos saber se a câmera foi carregada corretamente apenas pelo som do filme faz quando está rodando dentro do equipamento. Parece uma máquina de costura.

2) Seja sempre gentil com os atores, especialmente quando você não está pagando.

3) Eu acho que tudo correu bem com o meu projeto, mas eu só vou ter certeza depois de ver o filme. Cinema é assim: muito trabalho, diversão, prazer e surpresas.

Filmmaking: Becoming better and worse | Aprendendo cinema: cada vez melhor e pior

Things are falling into place. For the first time ever I'm seeing films in another way. When I watch them it's not only about the story and the performances anymore. Now I pay attention to the shots chosen by the director, try to figure out the lenses that were used and what would've been the lightning. It's funny. And such a short time, I've got it!

I mean It's not that I know everything at all. But I've never payed attention to that stuff before, I admit.

On the other hand, things are becoming worse. Because I'm realizing all the world that I have to create, meaning directing, casting, photography and the worst of my nightmares: producing.

I just hate producing. Thankfully, we're not dealing too much with budgets but make up schedules, find outfits and so it's such a hassle. Unfortunally, I have to face those and still find time to creative. Oh, my...

Today we've casted the actors. They're from the Nyfa acting classes, so I thought it should be easier. But, as matter of fact, was very hard. We've had all the directors and actors at the same room for auditions. And, after that, we had to book them. What happened is almost every director wanted to book the same actors. And we'll have only two days to shoot.

I almost got actorless and I'll have to deal with schedules to fit in my shooting. Awful! Tomorrow is gonna be a long long day...

Production undesirable effects: less sleep hours and more exaustion. Good night.

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As coisas finalmente estão se encaixando! Pela primeira vez, estou vendo filmes de outra maneira. Agora não vejo mais somente a história e as performances dos atores. Presto atenção aos planos escolhidos pelo diretor, tento descobrir as lentes e o tipo de iluminação usados. Engraçado como isso aconteceu em menos de 24h!

Não é que agora eu já saiba tudo. Eu só nunca havia prestado muita atenção a essas coisas antes, admito.

Por outro lado, as coisas estão piorando. Porque estou percebendo todo o mundo que eu tenho que criar, ou seja, direção, elenco, fotografia e o pior dos meus pesadelos: produção.

Eu simplesmente odeio produzir. Felizmente, não estamos lidando muito com orçamentos, mas estabelecer cronogramas, providenciar roupas e acessórios cênicos é o que há. Infelizmente, tenho de encarar isso e ainda encontrar tempo para a parte criativa. Aff...

Hoje fizemos o casting dos atores. Eles são das turmar de atuação da NYFA, então eu pensei que seria mais fácil. Que nada. Todos os diretores e atores na mesma sala para os testes. E, depois disso, nós tivemos que agendar com eles as filmagens. Só quase todo diretor queria reservar os mesmos atores. E nós vamos ter apenas dois dias para filmar.

Resultado: quase fiquei sem atores e vou ter que dar um jeito nos horários pra dar tempo de filmar tudo. Um horror! Amanhã vai ser um dia bem longo...

Efeitos da produção eminente: menos horas de sono e total exaustão. Inté.